La exposición de la actriz y fotógrafa estadounidense Jessica Lange reúne 96 fotografías de las que 58 son totalmente inéditas y producidas exclusivamente para esta exposición, entre ellas una secuencia de treinta imágenes que documentan un rito ancestral indio de la región de Chiapas.

Las obras fueron tomadas en México durante los últimos 15 años, las imágenes que componen la muestra relatan mediante secuencias casi cinematográficasviajesy paisajes, siempre entre la luz y la sombra, en el umbral de lo no visto.

Se trata de un México que actúa como escenario de lo cotidiano donde -más allá de la evidencia y de lo invisible- aparece la realidad en un doble fondo, y una fascinación por el detalle, lo insignificante y lo imperceptible.

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Las obras de esta joven promesa toledana me llamaron mucho la atención, por la delicadeza con la cual representa a las diferentes facetas de las mujeres.

En palabras de la propia autora:

“Yo soy todas mis mujeres y todas mis mujeres son yo misma. Mujeres solitarias que juegan con el mundo que se crean en torno, encadenando estados de ánimo a través de múltiples estancias. Por eso, en el caso de los dibujos, todos se parecen, y todos son distintos. Un impulso me empuja a repetirme porque en mí, la repetición es diferencia. El resultado de mi obra no es sino un proceso vital, de pequeñas resurrecciones diarias, una lucha contra el desaliento”

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La exposición consta de 140 obras de esta polifacética autora cuya producción abarca más de tres décadas. Podrás ver un recorrido por las diferentes etapas de su producción a través de una selección de obras significativas, que incluye pintura, escultura, fotografía, instalaciones, dibujo, múltiples y obra gráfica.

Elena Blasco (Madrid, 1950) realiza su primera exposición en 1976; la de los setenta será una década en la que conviven las experiencias conceptuales y las actitudes políticas, marcadamente críticas, junto a la denominada nueva figuración madrileña que reivindicaba un retorno a lapinturay a su potencialidad tanto en los ámbitos expresivos como conceptuales, o lapinturade base geométrica y analítica.

Sin embargo, su obra camina al margen de estas corrientes, como también lo haría, en los años 80, respecto a las influencias neo-expresionistas que recorrieron lapinturade aquella década.

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Antes de que en el siglo XVIII advinieran las estéticas modernas y, con ellas, la autonomía de las bellas artes, puede decirse que todo arte fue, originariamente, “diseño”, es decir, arte “aplicada” a una función.

Las artes, en efecto, han sido históricamente “artes aplicadas” a las más diversas funciones religiosas, políticas y sociales, desde el culto y la celebración, la representación del poder, la religión o la riqueza hasta la decoración y el descanso.

Más adelante, algunos movimientos nacidos entre finales del XIX y principios del XX como la Secession vienesa o el movimiento “Arts and crafts” y, sobre todo, las vanguardias históricas —desde el futurismo y la Bauhaus al neoplasticismo, pasando por el constructivismo — supusieron no solo una acentuación de la moderna autonomía del arte, sino también un intento generalizado y radical de volver a llevar el arte a todas las esferas de la vida, ésta vez no tanto para representarla u ornamentarla como más bien para transformarla y configurarla desde el ideal de lo nuevo.

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Antes de la aparición del cinematógrafo de los hermanos Lumière existieron toda una serie de aparatos que se caracterizaron por asombrar al espectador mediante el engaño y la manipulación de los efectos visuales.

Esta exposición ofrece una muestra de estos inventos: sombras chinas europeas, los zootropos, las linternas mágicas o los praxinoscopios. Todos ellos jugaron un papel clave en los avances hacia la aparición de la primera cámara de cine.

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La galería Ars Histórica presenta la muestra Egipto Mágico, una colección con más de 200 piezas de arqueología que glosan la historia y el arte del antiguo Egipto. Las obras son de uno de los periodos más significativos de esta antigua civilización, desde el predinástico y Tinita (Año 3.850 a. C. – 3.100 a. C.) hasta la época de la dominación Copta, (Siglos IV – VIII d. C.). Se trata de una selección de gran calidad que abarca 4.000 años de historia.

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El proyecto 1812_2012 se trata de una mirada contemporánea que trata de vincular las libertades y los valores democráticos que nacieron en Cádiz con nuestro vigente marco constitucional y con las actuales demandas sociales de regenera­ción democrática en la búsqueda de nuevos modelos de participación y decisión.

El referente lejano es el arte efímero, en sus distintas manifestaciones bien como escenografía o bien como acompañamiento ornamental de diversas manifestaciones religiosas, populares y políticas que se desarrollaron en el Re­nacimiento o en el Barroco y que continuó teniendo una gran importancia en los festejos públicos de la sociedad del siglo XIX.

La muestra incluye propuestas en distintos ámbitos como el arte, la ilustración, el audiovisual y la música contemporánea y popular, diversificando intencionadamente las posibles aproximaciones a un complejo proceso en el que distintos intereses, agentes y realidades sociales se confrontan y construyen sus propios relatos.

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La exposición presenta por primera vez enMadridla obra de E.O. Hoppé (Munich, 1878 –Londres, 1968). Afincado en Gran Bretaña desde 1902, realizó sus primeras fotografías en 1907. Pronto conoció el éxito y, gracias a ello, su obra fue un reflejo fiel de la efervescencia intelectual y artística de la Inglaterra de la primera mitad del siglo XX.

Hoppé fue el prototipo del fotógrafo de éxito, en la línea de contemporáneos como Richard Avedon o Irving Penn. Formaba parte de la élite cultural y artística de la época; tenía acceso a políticos, literatos y a las actrices y actores más populares del momento: todos estaban dispuestos a posar para él. Hoppé era un retratista reconocido e indispensable, como bien lo acreditan sus fotografías de Georges Clemencau, Ezra Pound, o George Bernard Shaw.

Vea galería deimagenesde las obras de Hoppé:

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Analizar el papel de la pintura al aire libre comomotorde la renovación plástica del siglo XIX es el objetivo principal de “Al aire libre”. En general, tendemos a relacionar lapinturaal aire libre con el impresionismo pero, cuando Monet, Renoir, Sisley o Pissarro empezaron a exponer sus obras en el estudio del fotógrafo Nadar, en 1874, lapinturaen plein air llevaba ya casi un siglo de desarrollo.

Los estudios al aire libre constituyeron, de hecho, parte fundamental de la formación del pintor de paisajes desde fines del siglo XVIII. Más tarde, convertida en eje del naturalismo, su potencialidad renovadora se extendió hasta finales del siglo XIX.

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Isabel Muñoz nos sorprende con la primicia de su último trabajo, inédito y muy personal en su nueva exposición Danzas y Ritos en la galería madrileña Blanca Berlín.

Desde los años 80, la fotógrafa había querido viajar a Papua Nueva Guinea para sentir el primitivismo de nuestros orígenes, que en algunos lugares, ya muy escasos, todavía pervive.

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