La muestra Lewis Hine (Wisconsin, 1874 – Nueva York, 1940), compuesta por 170 imágenes –en su mayoría vintage-, ofrece un completo recorrido por su trayectoria fotográfica, y sitúa la obra de Hine en el contexto artístico, político y cultural de su tiempo, desde sus primeros retratos de inmigrantes desembarcando en Ellis Island (Nueva York) y niños trabajadores, hasta su labor en Europa para la Cruz Roja americana a finales de la Primera Guerra Mundial, o su serie sobre la construcción del Empire State en Nueva York.

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La figura de la mujer, objeto de esta exposición, ha sido uno de los temas iconográficos más constantes en la obra de Picasso. A través de los 66 grabados que componen esta muestra, realizados entre 1927 y 1964, el artista se enfrenta a la imagen femenina desde el lugar de quien al mismo tiempo la admira e interroga.

“Picasso-El eterno femenino” nos presenta distintos ángulos desde los que se plasma la figura de la mujer.

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Eduardo Arroyo es uno de nuestros pintores más reconocidos, que sin embargo cobró protagonismo en el circuito artístico nacional tardíamente, a partir de los años 80, después de un alejamiento de dos décadas durante el régimen franquista.

En París optó por la pintura figurativa en unos años de claro dominio de lapinturaabstracta. De un uso matérico del color, Arroyo pasaría a una técnica más cercana al pop art. Su primer impacto público se produjo en 1963, al presentar en la III Bienal de París una serie de efigies de dictadores, que provocó las protestas del gobierno español.

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Portraits reúne las primeras fotografías de Warhol en su juventud, solo o con su familia, los primeros retratos a lápiz que realiza en la década de 1940, y varios de susdibujoscoloreados con tinta, acuarela o anilina, efectuados a partir de 1950, coincidiendo con la realización de trabajos comerciales.

Es a principios de 1960 cuando Warhol empezó a pintar retratos por encargo, convirtiéndose en un símbolo de modernidad, apreciado por los intelectuales más significados del momento.

Esta exposición ofrece un amplio recorrido por esta etapa que abarca las décadas de 1970 y 1980, con retratos muy famosos, entre los que se encuentran figuras de la música como Prince(1984) o de cine, como dos lienzos de Sylvester Stallone (1980) en los que aparece con y sin barba, lienzos de Jane Fonda y Alfred Hitchcock y sendas fotografías de Arnold Schwarzenagger (1977) y Liza Minelli (1977).

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Alrededor de cuarenta de obras de una docena de creadores forman parte de un proyecto sobre las grandes transformaciones que sufrió el arte en los años sesenta y las secuelas que han dejado en las nuevas generaciones.

No es una muestra sobre el paisaje, pero toma el nombre del género pictórico como metáfora para describir una panorámica concreta del arte realizado en los Paises Bajos en dos momentos determinados. Los años sesenta y setenta, en los que los artistas holandeses jugaron un papel fundamental, y la primera década del siglo XXI, en el que un grupo de artistas jóvenes redefinen el lenguaje conceptual, una estrategia que se ha convertido en uno de los géneros esenciales del arte.

Una de las claves de la exposición es ver cómo se interpretan conceptos importados de los años sesenta como la desmaterialización o la autorreferencialidad, o prácticas basadas en repeticiones, permutaciones, sistemas, series… Los artistas de una y otra generación introducen nociones subjetivas contraviniendo las premisas del conceptual más severo.

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El papel que desempeña la fotografía, fundamentalmente desde su incorporación a la prensa, en la visualización de los problemas sociales, políticos, culturales y en otras áreas, la convierten en un arma muy poderosa y en un verdadero documento social. Reconociéndole la subjetividad que conlleva la toma, la imagen hecha con honradez representa a la memoria visual colectiva y una de las mejores formas de reflejar la realidad, esa realidad que tantas veces molesta.

Fotografía sin verdad. El poder de la mentira es un ensayo tras muchos años de investigación que puede ayudarnos a conocer mejor “cómo la verdad fue desvirtuada, pisoteada, disfrazada y padeció toda clase de atropellos con el fin de esconderla bajo un manto oscuro que siempre beneficiaba a alguien”, como señala Enrique Meneses en el prólogo. Discernir lo verdadero de lo falso es nuestra obligación para estar prevenidos contra los muchos tipos dephotoshopdestinados a confundir nuestra aprehensión de la realidad.

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El Prado exhibe temporalmente una nueva selección de sus fondos del siglo XIX en la “sala de presentación de colecciones”, creada para mostrar de forma rotatoria conjuntos de obras de esta centuria habitualmente no expuestos y elegidos entre sus amplios fondos en razón de su interés y calidad.

El Museo recupera ahora de sus colecciones un relevante conjunto de obras religiosas realizadas por pintores españoles establecidos en Roma a mediados del siglo XIX, época en la que lapinturareligiosa europea se vio impulsada por los hallazgos arqueológicos de los enterramientos de los primeros mártires cristianos en las catacumbas.

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Marc Chagall. La Virgen de la aldea, 1938-1942

Óleo sobre lienzo, 102,5 x 98 cm.

Esta exposición será la primera granretrospectivadedicada al artista ruso en España, Marc Chagall, y como principal objetivo, destacará el gran papel que su obra ocupa en la Historia del Arte. Las salas del Museo Thyssen-Bornemisza expondrán trabajos de sus primeros años y de su periodo en París, la capital de la vanguardia en ese momento; también se recogerá su experiencia en la Rusia revolucionaria y en Francia, hasta llegar al exilio forzado en Estados Unidos en 1941.

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La exposición de viñetas “Real Madrid-Barça: el gol dual” cuenta con 80 obras, mitad prensa deportiva de Barcelona, mitad de Madrid, de los dibujantes Guillermo (Marca), Caye (Sport), Kap (Mundo Deportivo), Gallego y Rey (Marca), Juan Álvarez (As) y Fandiño (As), constituyen un elenco de manifestaciones distintas de una misma realidad deportiva, que trasciende elocioy el espectáculo.

La cara amable del clásico duelo Real Madrid-Barça, puede ser un motivo de reflexión para el dibujo, la viñeta, la caricatura y el desdoblamiento de la realidad, a través de los pinceles y de los lápices. En definitiva, para el humor, como estrategia contra la hostilidad que se establece ante un ganador y un perdedor. Porque, como curiosamente decía el existencialista francés, Jean Paul Sartre, “en el fútbol todo se complica por la presencia del equipo adversario”.

Esta complicación que representa para elMadridla existencia del Barça y viceversa es el núcleo duro de esta muestra de creación, cuyo pretexto es la competición, más allá de los noventa minutos de partido. El duelo deportivo reclama la atención de un país, con tal impacto mediático, que alcanza a cualquier persona o grupo, por alejado que se encuentre del campo magnético de los mensajes,en formade goles, penaltis, o expulsiones.

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La muestra cuenta con catorce lienzos de clara inspiración nipona de Jesús Valdunciel en los que utiliza el acrílico como material pictórico. Jesús Valdunciel (Madrid, 1980) es un joven pero prometedor artista que comenzó su andadura profesional tanteando con el grafiti en murales que datan de mediados de los noventa.

Con el tiempo su técnica fue depurándose, y comienza a experimentar con esos mismos materiales –acrílicos, aerosoles y otras pinturas plásticas– sobre otros soportes más tradicionales como la tabla o el lienzo. Abandona la estética urbana y pasa a explorar temáticas atávicas.

Interesado por el arte oriental antiguo en sus diferentes manifestaciones, recibe clases del profesor Jeing Ho en el estilo Sumi-e, especializándose en técnicas de dibujo en tinta china. El gusto por el detalle y la exquisitez del arte oriental acaban por acercarlo a la pintura japonesa, fuente de la cual beben directamente sus obras.

Si el arte se redujera a una serie de hilos, y estos hilos dorados se cruzaran y descruzaran, se enredaran con influencias, se desataran y anudaran con culturas, tiempos y sentimientos, la muestra Las Flores de Kyoto de Jesús Valdunciel reflejaría el caudal espiritual de los hilos que un artista posee, y su empeño por compartirlos a través de la experiencia visual de su obra.

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