El color de la forma y la forma del color, fabulo que fueron algunas de las cavilaciones con las que Piet Mondrian libró arduas batallas en su mente. Hoy, a 52 años de haber pintado Victory Boggie Woogie, su última e inconclusa obra, el motivo de estas humildes líneas es un intento (¿quizás?) por remontarse hacia el origen verdadero de la estética del diseño gráfico actual.

Pieter Cornelis Mondrian nació un 7 de marzo de 1872 en Amersfoort, Holanda. Su padre fue un maestro de escuela, profundamente devoto de la Iglesia Protestante: de allí provendrá la duda mística que atravesará la reflexión artística y la obra del futuro artista.

A los 20 años entra a la Academia de Arte de Ámsterdam y también en una parroquia protestante radical, vinculada con el Partido Antirrevolucionario. Durante estos primeros años, el joven pintor realiza estampas religiosas, plasmando una imagen apocalíptica del mundo ante el devenir de la época moderna, acorde a la doctrina protestante. Los primeros cuadros son paisajes y retratos de la vida campesina de su ciudad, con un toque idílico y antiguo, representación de la tranquilidad inmóvil de su entorno.

Para 1905 se dedica rigurosamente al tema del paisaje, siguiendo la tradición de la pintura holandesa: dibuja molinos de la región de Brabante o vacas pastando en la pradera, incluyendo en su paleta colores más brillantes. Desaparecen del lienzo los estilizados y fríos parajes que habían constituido la etapa previa (interiores de bosques, maleza de la pradera o la esquina de una calle).

Para ganar dinero pinta cuadros con flores que recuerdan un poco el arte trivial protestante. Acerca de este ejercicio, Mondrian expresa: “Si los compradores solventes exigen un arte naturalista, el artista puede usar sus habilidades para hacer este tipo de cuadros que se deben diferenciar claramente del arte específico del artista”.

También comienza a copiar a los grandes maestros. La serie Paisajes Nocturnos plasma la influencia ejercida por los cuadros de Van Gogh. A través del trazo grueso de su pincel, marcando tajantemente la trayectoria del color en la ribera de un río o una pradera campestre, Mondrian logra asentar lo que será su estilo: una pincelada descuidado y nada profesional que lo acompañará hasta el final. A pesar de este aparente error técnico, se puede sentir lo único que le importará al artista: la experiencia misma del cuadro.

Durante la primera década de 1900, pinta lienzos de un metro de lado, ortogonalmente divididos y subdivididos. Su paleta se oscurece, plasmando la angustia por la muerte de su madre y los contornos se vuelven más duros y lineales.

Signo de su preocupación metafísica por la función del arte, es la serie Evolución, donde trata de sustituir el modelo de Darwin por un concepto de desarrollo espiritual e intelectual. Para ello recurre a las tradiciones pictóricas cristianas y a concepciones teosóficas del hombre y el cosmos. Esta serie es una réplica, más dura y reactualizada, de las litografías religiosas que pintaba su padre.

París es una fiesta

En 1910 parte hacia París en busca del arte moderno: allí se encuentra con los cuadros de Georges Braque. Nota en ellos el uso de formas almendradas entre las ramas de árboles viejos y las vuelve su marca personal. Mondrian empapa su pincel con tonos grises, marrones y negros, de acuerdo a la paleta de Picasso y Braque. Por esa época los dos pintores cubistas estaban analizando los elementos básicos de la pintura antigua y creían haber descubierto que en la historia de la pintura el dibujo era más importante que el color, por lo cual decidieron usar de manera aislada la línea de dibujo para alcanzar un arte moderno que no esté supeditado a la representación del mundo cromático.

Mondrian acata estos principios en sus cuadros y utiliza las líneas negras dispuestas en forma de red para enmarcar formas aisladas. Algunas pinturas de este periodo son: Paisaje con árboles, Manzano en flor, El árbol gris.

Según la tradición academicista, la profesión del pintor es la composición: su tarea consiste en armonizar las diversas formas de la derecha y la izquierda, de arriba y abajo, y ordenar la totalidad del campo visual. Pero Mondrian decidirá abandonar esa función. Ahora repartiría las formas sobre la superficie de una manera aparentemente casual, siendo las formas todas idénticas en un diseño abstracto.

En 1914, con los albores de la Primera Guerra Mundial, el pintor se traslada a Laren, allí es donde conoce a Theo Van Doesburg, teórico del arte muy culto y conocedor de la filosofía alemana de Kant a Hegel. Juntos fundan De Stijl, revista que abogaba por la unidad de las artes para la configuración del mundo moderno. Aquí es donde Mondrian formuló las bases teóricas de la nueva estética, que posteriormente denominaría neoplasticismo, depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas y planos, así como el desarrollo de estos últimos en cubos y prismas.

Las especulaciones teóricas de De Stijl tendrán repercusiones en la escuelas alemana de la Bauhaus, a través de la figura de Laszlo Moholy-Nagy, quien enseñará en la “Casa de la Construcción” durante cinco años y llevará la idea del constructivismo ruso y el neoplasticismo de Mondrian. El punto de intersección entre el neoplasticismo y la Bauhaus es de suma relevancia, ya que de allí surgirá todo lo que hoy conocemos como diseño gráfico e industrial.

En los cuadros de Mondrian van diluyéndose las líneas negras, dando paso a zonas de color flotante en fondo blanco: la sensación es de una firmeza estática, similar a la buscada en arquitectura. El proceso de experimentación es arduo: aparecen cuadros de color insertos en una estructura reticulada del lienzo, las líneas van tomando el lienzo hasta ser únicamente dos marcas como en la serie Diamantes. Por momentos se asiste a un cuadro de líneas negras, con mínimas áreas de colores primarios, luego el fondo blanco del lienzo va ganando la superficie hasta alcanzar la momumentalidad y la severidad formal que serán la marca del neoplasticismo. El estilo abstracto de Mondrian exhibe de manera descriptiva los elementos pictóricos básicos: las líneas y los colores puros.

Hacia el final de su vida, ya instalado en New York, comienza a experimentar el contenido expresivo de los colores, dejando de lado los retículos y las líneas. El resultado final de su viaje a través de la pintura es Victory Boggie Woogie (1944), una alfombra musicalmente centelleante de partículas de colores. De alguna forma, también el título del cuadro auguraba el fin de la Segunda Guerra Mundial y el nacimiento de una nueva era, según las aspiraciones filosóficas de la función que el arte debería cumplir para Mondrian.

Geometría y pureza

El neoplasticismo reza un planteamiento totalmente racionalista de la obra, con una estructuración armónica de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales y horizontales o formando ángulos rectos, la creación de ritmos asimétricos, con sentido de equilibrio, la utilización de colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises), sobre fondos claros. La base filosófica para la fundación de esta nueva estética es desarrolada por Mondrian a partir de los escritos teosóficos del matemático M. H. J. Schoenmackers.

En 1916, Schoenmackers publicó La nueva imagen del mundo en la que había señalado que “los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son: la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la tierra alrededor del sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos, que tiene su origen en el centro del sol“.

Schoenmackers caracteriza la naturaleza como poseedora de un contenido esencial, que se expresa mediante la intersección de dos fuerzas, de dos líneas: la vertical y la horizontal, que en definitiva simbolizan de forma absoluta la vida y la muerte, el día y la noche, el hombre y la mujer.

Y desde allí es como Mondrian logra conciliar en clave pictórica lo que él llamaba la existencialidad absoluta del ser y el mundo.